坎贝尔汤罐

莎拉·麦科克代尔表示：安迪·沃霍尔的“坎贝尔汤罐”在首次展出时被人们嘲笑——但是该作品不仅继续对艺术史，也对我们的着装方式产生了持续的影响。

这是独一无二的，具有开创性的并且将从根本上改变设计理念的艺术作品。然而，当安迪·沃霍尔在1962年第一次展出他的“坎贝尔汤罐”时，人们对这件作品充满了嘲笑和漠视。作为回应的是，竞争对手利用实际的汤罐来开始拙劣的模仿展；公众却无动于衷，显得非常冷漠。这似乎是一个失败，一种过时的缩影。

然而，这种不得民心并没有持久下去。欧文·布鲁姆，作为洛杉矶费鲁斯画廊（这个汤罐作品在此进行了首次展出）的所有者，意识到了这32个罐头必须汇集在一起而不是像之前打算的那样单独出售。这种想法使之与众不同，且使之为作品本身做出了形象声明。这件作品似乎讲述了新美国的精神，即彻底接受了新十年的消费主义文化的精神。在今年年底之前，坎贝尔汤罐如此流行，以至于曼哈顿的社会名流将印着汤罐的礼服都穿到了上流社会的活动中。

目前，这个作品通过每个季度巴黎、伦敦以及纽约举办的时装屋影响着所有的服装设计：从香奈儿2014春/夏季时装秀的波普艺术调色板到同年普拉达的图形打印，再到从2013年成为莫斯基诺的创意总监的杰瑞米·斯科特的服装模特秀的一切设计。就时尚产业而言，将举世无双的沃霍尔的鬼才作品作为参考是一个值得做出的决定。

现在，纽约现代艺术博物馆正在展出“坎贝尔汤罐”，这也证实了其持续的相关性。该作品正在展出之中，就像其首次亮相一样受欢迎：与经常被用作展出的网状结构相反，该作品是在一条横跨五面墙壁的连续线上展出。这样的情况之前只出现过4次，且从未发生在纽约现代艺术博物馆中。此外，每一幅汤罐作品周围的框架和透明塑胶已经被移除，便于游客更进一步的细细欣赏其艺术价值。

“看到这样的作品感觉非常令人惊奇–当你意识到它多么重要时，”本次展览的馆长斯塔尔·菲古拉表示，“除了汤罐的名字之外，这些绘画都是完全相同的。你会思考沃霍尔是怎样以一种如此机械的、重复的方式使得整个作品有条不紊的。”

“坎贝尔汤罐”是一种突破性的作品，它使沃霍尔获得了广泛的名声。在此之前，作为一名图形艺术家，沃霍尔将大部分的工作时间花费在了20世纪50年代的广告业中。

“这是关于充足生产和工业制造；伟大的繁荣和便利，”菲古拉表示，“他早于任何人发掘了20世纪60年代美国文化的本来面目。”

超市大清扫

1962年，为了将其作品转变成时尚物品，沃霍尔成为了第一批流行艺术家之中的一员。当时他已经开始了将这种设计印刷到服装上的举措。作为伦敦中央圣马丁艺术学校的一名高级研究员，阿里斯泰尔·奥尼尔表示：“这些不是用作商业出售的，而是用作纽约的社会女性穿去艺术馆开幕式的一次性服饰的。”穿着沃霍尔第一批印着坎贝尔罐（首先是被印在纸上的）的服装之一，是显示你作为高级俱乐部一部分的标识–一种大规模生产的消费项目具有讽刺意味的逆转。

“坎贝尔汤罐”公司利用沃霍尔作品的受欢迎程度创造出汤罐服饰，一种以标志性的打印为特色的纸质服装。

这种排他性是短暂的：在1965年，“坎贝尔汤罐”利用其新的狂热崇拜的时尚地位生产出了汤罐服饰。它由纸制成，任何将1美元和两个坎贝尔汤罐的标签寄回到公司的人都能买到这件衣服。这些天，一件“汤礼服”就获得了大约5,000英镑（即7,500美元）的收益。

沃霍尔对时尚界的影响，以及后来的坎贝尔的宣传方式都给其余行业带来了连锁反应。作为纽约帕森斯设计学院的时尚和设计主管，黑兹尔·克拉克博士指出：“汤罐服饰当然在以廉价的流行艺术印花裙作为主流时尚的趋势中一马当先。”战时物资紧缺之后，当衣物被设计成用作磨损的坚固的奢侈品时，汤服饰也改变了女性的购物观念。

奥尼尔表示：“它将有关消费品的通用性和先进的设计理念相融合，那就是，你可以随便穿衣服，然后把它扔掉。”

沃霍尔的影响不仅仅渗入进了美国的大众市场的时尚中。英国精品屋“彼芭”和“自由先生”开始在20世纪70年代，将印着流行艺术的服饰和T恤衫进行委托制作，然后卖给注意打扮的公众和例如崔姬、米克·贾格尔和简·诗琳普顿这样的服装模特。

然后，沃霍尔的印刷品由他的朋友于20世纪80年代在T台上发扬光大。他就是设计师史蒂芬·斯普劳斯，当时Jean Charles de Castelbajac这个品牌就将他自己的“坎贝尔汤罐”服装纳入了1984年的春/夏季系列服装中。

沃霍尔系列作品玛丽莲·梦露也激发了时尚设计师们，例如詹尼·范思哲，他将之作为花纹印在自己1991年的流行艺术服饰中。（图片来源：安迪·沃霍尔基金会/ ARS）

然而，詹尼·范思哲的1991年流行艺术系列服装就是以沃霍尔的玛丽莲·梦露印刷的一个，镶有珠宝的版本为特色。这个版本使该艺术家真正地成为了高端时尚的代名词。由琳达·伊万格力斯塔穿戴展示，它将性感以及大胆的审美含蓄地表现了出来。这定义了20世纪90年代的时尚，它被看的如此重要以至于现在被纽约的大都会艺术博物馆所收藏。

最近，在普拉达的2014春/夏季系列服饰中，原色展示的图形面孔占主导地位，席琳放弃了其签名，该签名由同一季节响亮的一行打印的亮色重组而成。

流行艺术走进T台

那么“坎贝尔汤罐”继续激发时尚灵感是是什么呢？设计师菲利普·科尔伯特有一些自己的看法。作为The Rodnik Band品牌的创始人，他被安德烈·莱昂·塔利（《美国时尚》杂志备受瞩目的编辑）奉为“安迪·沃霍尔的教子”，因为他将这位艺术家的作品大量引用到自己大胆的服饰中。他表示：“时尚喜欢探究并参照艺术，大型的时装公司每一季度都会寻找一个新的艺术主题。然而，引用沃霍尔的作品不仅是因为艺术本身–艺术是一个非常迷人的时代的象征。位于纽约的54号工作室，虽风格迥异，但也经常设计过剩。这是一个非常强劲的消息。”

奥尼尔认为，我们仍然需要受沃霍尔影响的设计，因为流行艺术传达着我们的一些认识和理解。它需要一些传统的消费主义观念和安心的熟悉程度，但是它却在一个高端时尚环境中进行咄咄逼人的呈现。以莫斯基诺的2014秋/冬时装秀为例。由于受到快餐店的启发，这是故意的诙谐–没人愿意穿上一件实际的麦当劳的统一制服或戴上标识，但是你会认为杰瑞米·斯科特会将之裁剪设计的更好，虽然明显是类似的款式。

正如沃霍尔一样，杰瑞米·斯科特也歌颂消费文化的象征。他的莫斯基诺2014秋/冬女装秀正是从快餐中得到的启发。（图片来源：雷克斯）

奥尼尔表示：“在我们的数字时尚时代，杰瑞米·斯科特作品如此受欢迎的原因之一是因为其对主题图案正确的利用。芭比娃娃、麦当劳和M&Ms彩虹糖就是有着高视觉冲击的流行文化的视觉图标。”他补充道，对这些标志和图案的使用很容易地依据沃霍尔在40多年前所做的实验而知。

菲古拉认为，沃霍尔的汤罐仍然代表着西方文化的一些精髓所在，因此它们在被创造出来几十年后仍能与我们产生共鸣。她表示：“消费品就是我们的文化，复制和重复的观点在这个数字时代甚至显得更有先见之明–它就像一个设计师现在在图像处理术上应该做的事情一样。”

所以，如果在你的衣柜里有用原色制成的绘画图案或快速时尚服饰，那么它们的灵感已经被植根于54年前所创造的一件艺术品中了。这能使沃霍尔成为消费主义文化中，最有远见的、被引用最多的艺术家吗？不一定。

菲古拉认为，沃霍尔的广告从业者背景为‘坎贝尔汤罐’的诞生提供了灵感。这个作品是一次谨慎的举动，而不只是一个瞬间的念头。她表示：“沃霍尔知道如何找到下一个能抓住人们眼球的物品，他拥有与生俱来的，不可思议的天赋，但也与后天的经历息息相关。”

无论他的灵感从何而来或者是什么促使他绘出了这幅作品，有一件事是毋庸置疑的–这幅作品的影响力依然强大，且仍然有人偏好流行艺术风格的服饰。最新的证据呢？本月早些时候，丽塔·奥拉依照沃霍尔的设计造型的自拍照被一天天地印刷出来就是最好的证据。它被101,000人所喜爱。

菲古拉表示：“坎贝尔汤罐仍然在向我们讲述，因为它现在仍然传递着关于这个世界的一些点滴。沃霍尔对此独具慧眼–你无能为力但又只能被迫接受。”

（编译：尚智）

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