原标题：地球日聊点“地球艺术（Earth Art）”

20世纪60年代至70年代美国，正值美国社会历史上群众运动最为活跃的十年。二战后迅速崛起的社会经济及工业发展进程，创造积累了大量的社会财富，同时也为自然环境带来危机。以“环境保护”为目的的群众运动，为彼时美国带来了最为广泛的社会影响力。

1970年4月22日，世界第一个“地球日(Earth Day)”在美国被确定，约2000万人参加了游行示威和演讲，目的在于唤醒公众及社会各界对环境保护的重视，这也是人类有史以来首次群众性环境保护运动。随后不久，美国就相继出台了清洁空气法、清洁水法和濒危动物保护法等法规；并成立了美国国家环保局。

现代化社会发展带来的环境危害，大到能源枯竭、全球气候变暖，小到工厂排泄污染水、气对当地居民带来的身心伤害等等，“绿色经济”发展模式的呼声与影响力也越来越大。

反观艺术世界，与地球环境关系最为密切的是以大自然为创作媒介的“大地艺术（Land Art）”，通常也被称为“地球艺术（Earth Art）”、“环境艺术（Environmental Art）”也在这一时期产生。一部分艺术家对“艺术创作的商业化”产生反对情绪，逃离城市，来到自然，运用自然之物来进行创造。

就在确定地球日的同一年，罗伯特·史密森(R·Smithson) 在犹他州的大盐湖里创作的“螺旋形防波堤”(Spiral Jetty)被认为是大地艺术重要代表作之一，他在荒凉沙滩上用推土机将近6000吨玄武岩等各种颜色的石头倾倒在盐湖水中，形成一个螺旋形状的堤坝。然而，由于1972年水位上升，这件作品隐藏于水下30年，直至2002年，由于干旱导致水量锐减，这个现代版“纪念碑”才重见天日。

1969年，以包裹公共建筑和自然景观被人所熟知的克里斯托（Christo Javacheff）和珍妮、克劳德（Jeanne Caude）夫妇在澳大利亚附近海岸创作了“包裹海岸”，用银白色尼龙布将海岸线包括，作品绵延16公里，使悬崖绝壁消失在陌生的人造景观中。

1971-1972年，他们又在美国科罗拉多州的一个大河谷之间创作了“山谷帷幕”，长达381米、高80米~130米的桔红色帘幕将峡谷遮挡。

1969年，Michael Heizer在内华达州的维珍河梅萨(Virgin River Mesa)使用挖掘机和推土机开掘出深15米，9米宽，长458米的巨大沟壑《双重否定（Double Negative）》，并凿刻出 240,000吨的岩石。巨大体量的作品，展示了人工机械力量与自然之力的互相对抗与否定。

随后他又在美国内华达州沙漠中买了一块地，用三十多年的时间去建造自己的荒漠“城市”。

1971年，瓦尔特· 德·玛利亚 （Walter de Maria）在新墨西哥州的高原上创作了《闪电原野》，400根带有针样尖端的钢桅杆，排列如一张巨大的钉床，覆盖这一块巨大平原，每根钢杆都能起到避雷的作用。在6月至9月的雷电季节，钢杆吸引来一道道闪电，来自自然的能量场形成壮丽的景观，美中带着震慑。没有雷电闪耀的日子，这些排列有序的金属立柱在阳光下，显示着与大自然并立的人工力量。

这些宏大而深刻的作品在推土机和机械设备的帮助下矗立在荒原、沙漠、海边、高山中，由于地理位置偏僻、交通不便或者观看角度的需要，很少有人能够亲自到场或者有能力观看全貌，更不用说鼓足勇气在雷电季节到场感受“闪电原野”的自然之力了。因此照片、影像或者文字资料成为这类作品被观看和传播的主要渠道。

而对于英国艺术家Andy Goldsworthy而言，照片不仅是他呈现作品的重要元素之一，甚至是他作品存在的见证与档案。

不同于以上那些借助于机械之力完成的可停留性宏大作品，Andy Goldsworthy在制作过程中会尽可能避免运用机械手段，常常会选择雪、冰、树叶、树皮、石头、泥土、芦苇、羽毛、花瓣、树枝等自己身体力行在当地搜集到的天然材料，徒手进行创作。

他会在春天沿着小镇的街道，一路采集黄色野花；在夏日午后的河流中摸索，寻找可研磨出红色颜料的一种当地石材；风雪来临时，他会躺在一块岩石或者干草地上将自己干燥的轮廓留在潮湿的地表上；秋天坐在河边树枝下将自己找到的芦苇杆子编织成网、爬上枝桠寻找自己需要的小树枝，或在冬日清晨将自己搜集到的冰凌一点点折断、粘贴成一个圆···

由于使用天然材料，这些作品在他精巧的排列下很自然的呈现并很好的融进周围的环境中，但也正因为材料的特殊性，他大部分作品的停留时间非常短暂，甚至转瞬即逝。

可以想象，一列整齐排放的树叶确实很难在风中坚持几秒，一阵微风便可将它摧毁；在寒冬创作的小型冰雕造型，也难以抵挡正午的阳光。因此摄影在Andy Goldsworthy的艺术中具有重要而具体的地位

当在户外制作临时性作品时，Andy Goldsworthy一般会随身带三个相机，还有一个三脚架。通常会根据作品拍摄不同的照片，有些是作品的特写镜头，有些则显示出作品及在地环境的背景。如果有些作品停留的时间稍久一些并会根据潮汐、阳光、四季而发生变化、被激活，那么，他会在同一拍摄角度采取多次拍摄的方式来记录这种时间所赋予作品的生命历程。

Andy Goldsworthy认为自己是在和大自然一起工作的，每一次自己的作品完成以后，创作工作并没有结束，它还会在大自然中因为时间、地点、天气、材料的特性而不断发生变化，短则几秒，几个小时，树枝或石块等相对不易衰败的材料存在时间稍久，可以用月和年来计时，但作品也会根据自然中潮汐、四季的变化、以及天气条件，不断改变。

有时改变的是作品形状，有时改变的是周围观景，但作品的诞生和消亡与自然有着直接的关系，而一切都取决于时间。

但他并不认为作品物理形态的消失等同于毁灭，在他眼里这是自然生命周期循环的一部分，正如它们来自于自然界一样，现在只不过是在时光流逝中回归大地，而时间是永远不会停止的。

Andy Goldsworthy曾说：“运动、变化、光线、生长和退化丰富了大自然，这就是我不断从中攫取能量的源泉。”“每个作品的生长、保持、衰退——它们构成整体的循环,摄影是展示这个过程的最佳手段,当按下快门的一刻,作品的生命被激活。我希望能在摄影里表达作品活力的最高值,而其过程和衰退则是缓慢的。”

在Andy Goldsworthy的展览中这些摄影作品为他短暂的户外雕塑系列提供了展示和被公众所了解的机会，同样，摄影也给了他重新审视自己的工作和体悟创作过程的心情。

的确，长达十几个小时暴露在寒冬或者酷暑中工作近似于劳作过程，人的身体感知会变得麻木，对外界的感知力和敏感程度都会不由自主的降低，再历经同一件作品搭建过程中的无数次失败，这真是一个难以陈述的过程和心理感受，但是观看通过摄影对作品制作过程的记录，他可以再次体悟创作时的心情与视觉体验。

说起最初使用自然之物进行创作的初衷，还要回溯到他13岁的童年。Andy Goldsworthy1956年出生在西约克郡，父亲是利兹大学应用数学系的教授，在13岁的时候，父亲要求他在农场里进行劳作，而农场里繁琐的工作也打开了Goldsworthy的雕塑思想。他说“我大部分的工作都是像拣土豆这样的乏味，而当你找到这些农作物的节奏时，一切都变的充满了生机”。

长大后的Goldsworthy于1974-1975年，就读于布拉福德艺术学院，随后又远赴普雷斯顿理工学院进修艺术学。大学毕业后，一路北上至苏格兰定居、创作。在1993年的时候，他接受了布拉德福德大学的荣誉学位，并在康奈尔大学任职教授。

在野外寻找石头搭建雕塑的Andy Goldsworthy通常被认为是当代岩石平衡艺术(Rock Balancing)的创始人，在存在各种不确定因素的户外用石块或石片搭建雕塑，不断尝试、寻找平衡点。与他大多数时候户外创作不同的是，石头这种材质的可控性更强，他可以进行周详的计划，并草拟创作草图来进行论证。

他曾说：我很享受能用自己的手在自然中发现并创造一件东西，捡到的可能是一块锋利尖锐的岩石，也可能是几片羽毛或是树叶，我喜欢用“自然”每一天给予我的材料来创作，如果今天下雪，那我就用雪来创作；如果碰到今天树木落叶，那我就用树叶来创作。 

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