艺术与设计 作者：李沛芳2020-03-17 08:25
原标题：安东尼·葛姆雷：沉浸在身体与空间的混沌之中
安东尼·葛姆雷（Antony Gormley）作为世界知名雕塑艺术家，在四十多年的创作中不断地探索身体和空间的关系，试图在艺术中追寻人类存在对于自我以及自然的意义。他认为“艺术的意义在于交流生存的感受”。运用“人的体形”进行创作并将作品置于公共空间与自然环境中，探索意识与身体、人体与空间的关系，是他近年来的主要创作主题。此次展览让观众更加直观地以接触安东尼·葛姆雷的作品，是直接和强烈的“沉浸式”体验，让观者进行身体与空间关系的思考。
《身体和水果》（Body and Fruit），1991-1993
创作风格演变
“我很小的的时候，在幽闭症的体验环境当中得到一种外来的体验、就像从内心找到了一片大草原自由奔驰的感觉、从控制、被控制变成了一种特别的类似于冥想式的自由”。这样的思维贯穿着安东尼·葛姆雷四十多年的创作历程，将艺术创作置于无限广阔的宇宙环境下，体悟人与自然的关系及物质存在的永恒性。
安东尼·葛姆雷的作品风格主要可以分为三个阶段，从早期对人体雕塑与展示空间的理解，到装置作品与公共空间的联系，再到装置作品与自然环境的融合。可以看出，从室内空间到公共空间，再进入自然环境，他的情怀在不断放大，从“小我”逐渐走向“大我”。
20世纪70年代他的作品更多的是关注人的心灵体验，从人文关怀的角度表达对人生经历的感悟。这一时期他游历中东地区并在印度和斯里兰卡等地的寺庙学习、研究佛教冥想，之后创作了《沉睡之地》（Sleeping Place） 、《形态》（Figure）等作品，灵感就来源于他在印度的游历，这也是他骨子里悲天悯人的天性所致，为他之后的创作提供了无限灵感。
《清洁7》（Clearing VII），2004-2010
20世纪80年代，他的作品从材质、语言角度进入到另一种形态，思考着人存在于公共空间的合理性与归属感，基本以公共艺术装置作品呈现。他的代表性作品之一——《北方天使》（Angle of the North）就是这一时期创作的，矗立在旷野中的巨大人像好似灯塔般的存在，但也是在无垠的荒野中，对静止生命和流动时间进行深刻的思考。在这一时期的其它几件公共装置作品也都是如此，身体与周边环境是其创作考虑的主要因素，将观者置于当下，沉浸式的体验，引发“看与被看”的思考。
第三个阶段，是在2000年之后，他的作品与自然环境产生联系，“人是从自然界借来的临时贷款”是他在这一时期的重要观念。在一次次的探索中，他思考着身体与空间的表达方式,并且探寻着“沉浸式”与“空间化”的艺术形式，其实在他的作品里，雕塑只是一个艺术种类的名称，思考人与空间的共存性、互动性才是他所追求的艺术表达，这也是他不同于其他雕塑艺术家的原因之一。
《矩阵3》（Matrix III），2019
“沉浸式”装置作品
“沉浸式”的装置作品是以观众的精神体验作为创作来源，连接艺术家与观众的精神世界，达到共情，而安东尼·葛姆雷在创作中关注的永远是这一点。他说：“我的作品就是用来参与的，是观众的感受塑造了这些作品。我倾尽全部努力试图将艺术变成一切新行为、新思想、新感情的诞生地。”他的作品越来越强调与观众的互动关系，皇家艺术学院的展览也是他精心设计的“沉浸式”公共装置作品，从场馆的整体规划到每一个展厅的作品分布都是经过周密思考的。例如葛姆雷为皇家美术学院的空间特别设计的“Clearing VII”，通过弯弯曲曲盘绕数公里的金属构造成一个开放的、充满可能性的空间，让观者在互动中了解自己的身体，找到自己的出路，在强烈的视觉冲击下感受自我的存在与空间的未知性。
安东尼·葛姆雷在访谈中表示，自己从小对身体的空间感兴趣，对他而言，人类的身体更像是一个躯壳和建筑，灵魂寄居在这个容器中，因此他的作品大量出现他自己的身体模型雕塑，他创造的“身体”扩展了人体雕塑的疆域，既可以是具象存在的建筑和公共空间，也可以是抽象存在的记忆和感受，他将人体的存在认定为是一种介质，可以被利用在创作中的感官介质，也是由此与空间、宇宙产生必要的联系，以另一种方式参与艺术创作。
《消失的地平线1》（Lost Horizon I），2008年
作品“Lost HorizonI”是葛姆雷2008年创作的，由 24个真人大小的铸铁人物构成，他们分别被固定在墙壁、地板和天花板的不同方向上，当观者穿越“人山人海”时，静止的铸铁人与动态的观者形成反差，不同方向的铸铁人隐去了房间的边界，静与动的和谐，被消解的边缘线，让观者重新思考人在时间、空间中的存在形态。他个人也强调作品的意义就是让观众去感受它、触碰它，参与进作品的精神世界，重塑自我认知下的雕塑作品。
“作为观者的你，要成为一切的中心，成为最重要的东西。”这句话是他对观众与作品的关系阐释，也是他此次个展贯穿始终的观念，作品陈列在13个展厅内，互为整体却各有主题。
这次展览是对他个人创作生涯的阶段性回顾，他雕塑作品中的人文关怀、装置作品中的“沉浸式”体验，以及从侧面展现出的他对人类精神世界的单纯思考，展厅中光影的变幻、时间的静止、空间的消解，都是他通过作品与展览传达出来的对生命存在的思考。
（图片来源于艺术与设计及网络）
2020年3月10日，哈苏基金会宣布阿法瓦多·加尔（Alfredo Jaar）为2020年哈苏基金会国际摄影奖（Hasselblad Foundation International Award in Photography）的获得者。
