2016年11月15日，第三届国际艺术评论奖（IAAC）颁奖典礼在上海二十一世纪民生美术馆（M21）举行。英国的Laura Oldfield Ford 获得大奖， 中国的姚梦溪和美国的Peter Lunenfeld 分获中、英文二等奖。作为一个面向全球的国际性艺术评论奖项，IAAC旨在推动更独立客观的艺术评论写作。第三届国际艺术评论奖进一步加强了奖项的全球性、多元化及开放度。它提供了一个勇敢无畏地表达的平台，并同样坚定地捍卫当代创作的价值，能够支持多元的表达，也能够超越国际间对话和交流的壁垒。下面是“凤凰艺术”为您带来的最新现场报道。

颁奖典礼

▲ 颁奖典礼现场

2016年11月15日，第三届国际艺术评论奖（IAAC）颁奖典礼在上海二十一世纪民生美术馆（M21）举行。英国的Laura Oldfield Ford 获得大奖， 中国的姚梦溪和美国的Peter Lunenfeld 分获中、英文二等奖。大奖得主将获得奖金50000元人民币，同时获得2017年春天在上海交流两周的全额资助；二等奖奖金20000元人民币。

▲ 浦东新区世博地区开发管理委员会常务副主任陆敏之女士 致辞

本届IAAC共收到中、英文稿件203篇，其中包括来自东西欧、南北美洲、印度、东南亚等全球各国103篇英文投稿，以及来自大中华地区20个省市和地区的中文投稿100篇，投稿者的地区分布、职业属性等相较前两届更加多样。

▲ 上海二十一世纪民生美术馆馆长甘智漪女士 致辞

本届IAAC稿件所评论的展览范围广泛，从个展到群展、从公益美术馆展览到私营画廊举办的展览、乃至双年展或其它同类的大型综合展览。这也是IAAC设立的初衷之一：记录所规定年份期限内全球当代艺术展览的历史。

▲ 国际艺术评论奖组委会主席亨利·梅里克·休斯（Henry Meyric-Hughes）讲话

第三届国际艺术评论奖秉持一贯的专业性与多元性，邀请了5位不同背景并富有国际声誉的评委组成国际评审团，包括新加坡NTU当代艺术中心馆长乌特·梅塔·鲍尔（Ute Meta Bauer）、中国美术学院艺术人文学院院长曹意强（Cao Yiqiang）、《Cabinet》杂志英国编辑布莱恩·狄龙（Brian Dillon）、柏林作家及策展人戴维·埃利奥特（David Elliott）、尤伦斯当代艺术中心馆长田霏宇（Philip Tinari）。

▲ 浦东新区副区长谢毓敏女士宣布第三届国际艺术评论奖获奖者名单

在首轮评选中，200多篇投稿按投稿语言分别由中文或英文专家评委进行初选。在第二轮评选及终选中，评委会成员则用英语进行讨论，共同选出包括3篇获奖文章在内的20篇入围稿件。最终入围的20篇稿件表述方式各有千秋，从论述型到评论或分析型，或介于两者之间。

▲ 国际艺术评论奖组委会主席Henry为姚梦溪颁奖

在第二轮评选及终选过程中，评委会针对初选稿件进行紧张而充分的讨论后，最终一致决定了三位获奖者：

一等奖由英国的视觉艺术家兼作家Laura Oldfield Ford获得, 获奖文章（英文类）题为《底特律：数码城市》 （美国）。评委们认为，文章对所评展览本身及其主题（实验音乐作为城市式微的产物及反抗和创意性再生的力量）陈述完整，且行文文笔充满活力、视角独特。

▲ 二等奖获奖者姚梦溪发表获奖感言

二等奖（中文类）获奖者为策展人姚梦溪，获奖文章《展示与逃离——从何迟的“隔馆”说起》（北京箭厂空间）。评委们认为作者从个人的视角出发，以一种清晰、流畅及易读的方式进行论述，信笔引用大量资料，成功地弥合了文化间的一些鸿沟。

▲ 英国皇家艺术学院美术学院院长胡安·克鲁兹（Juan Cruz）展望明年IAAC

二等奖（英文类）获奖者Peter Lunenfeld，获奖文章《评“1967-1971年LACMA艺术与科技档案展”》（美国洛杉矶美术馆）。评委们认为这篇文章针对一个复杂课题进行有力的学术性评述，同时作者亦强调了对艺术与技术关系的不同态度之间的一些悖论。

包括上述3篇获奖稿件在内的20篇入围文章，之后将会以原文和译文双语形式集结成书，于2017年春出版。

▲ 评委座谈，左起：国际艺术评论奖组委会主席亨利·梅里克·休斯（Henry Meyric-Hughes）、柏林作家及策展人戴维·埃利奥特（David Elliott）、新加坡NTU当代艺术中心馆长乌特·梅塔·鲍尔（Ute Meta Bauer）、中国美术学院艺术人文学院院长曹意强（Cao Yiqiang）

▲ 往届获奖者座谈，左起：上海大学美术学院美术史论系副教授、IAAC组委会成员凌敏、首届IAAC二等奖获得者张涵露、第二届IAAC二等奖获得者张未、首届IAAC一等奖获得者苏伟

国际艺术评论奖由国际艺术评论奖组委会主办、上海二十一世纪民生美术馆及安信信托•至美空间承办、英国皇家艺术学院与国际艺术评论家协会协办、中国民生银行股份有限公司、安信信托股份有限公司及上海民生艺术基金会首席赞助。

▲ 嘉宾合影

获奖者简介

一等奖：劳拉·奥德菲尔德·福特 Laura Oldfield Ford

Laura Oldfield Ford是一位在伦敦的艺术家和作家，她关注争议空间、城市规划、建筑与记忆等问题。她对后工业时代城市空间激进重组后产生的新形式的社会政治话语进行了跨学科地调查和探讨。

对于她的实践来说，至关重要的是一种“偏移”，一种致力于绘制城市心理轮廓的行走过程。她描绘自己的经验，并把这种绘画行为作为一种政治活动，以及对于亚文化场景、特别是抗议运动的介入。最近，她的工作转向为对于宗教狂热、民族主义和阶级的严格审视。

劳拉2001年在斯莱德（Slade）获文学学士学位，2007年在英国皇家美术学院获得了绘画硕士学位。2013-2014年，她担任金斯顿大学的斯坦利·皮克研究员。她是2011年“Savage Messiah”作家，现任英国皇家美术学院研究员。

获奖文章：底特律：数码城市/ DETROIT:TECHNO CITY 

所评展览： 底特律：数码城市/ DETROIT:TECHNO CITY

二等奖：姚梦溪

姚梦溪，1985年生，现居住在上海。工作涉及策展、艺术批评、项目实践等方面，激烈空间创办人之一。策划过“不着边际I CANNOT SEE”（V Space 2016） 、“展览的噩梦（下）：双向剧场”（上海当代艺术博物馆 2015）、“一切新形成的关系等不到固定下来就陈旧了”（上午艺术空间 2013）、“被偷走的能量”(2013)、“日常生活”（mistermotley.nl，2014）；参加的项目包括“副馆长计划”（西安美术馆 2015）、“腹地计划”（广东时代美术馆2015）。并为艺术论坛中文网、艺术世界、艺术界等长期供稿。

获奖文章：展示与逃离——从何迟的《隔馆》说起

所评展览：隔馆

二等奖：彼得·罗内菲尔德 Peter Lunenfeld

彼得·罗内菲尔德博士现任加州大学洛杉矶分校(UCLA)设计与媒体艺术系教授和副主席、UCLA数字人文跨学科项目指导委员会委员。他的研究囊括了媒体哲学、设计理论、艺术批评、城市历史和数字人文。最近的出版物包括《下载和上传秘密战争（The Secret War Between Downloading and Uploading）》(2013 Lee Prize for Scholarship)、《数字人文（Digital_Humanities）》(与Anne Burdick, Johanna Drucker, Todd Presner, and Jeffrey Schnapp合著，2012)、和USER: InfoTechnoDemo 。上述论著均由麻省理工学院出版社出版。http://www.peterlunenfeld.com 

获奖文章：评《1967-1971年LACMA艺术与科技档案展》

所评展览：1967-1971年LACMA艺术与科技档案展

中文投稿入围文章名单（按投稿先后顺序）  

周琦

入围文章：对立与联系——评黄永砯个展“蛇杖Ⅲ：左开道岔”

胡昊

入围文章：亚洲依然陌生

林三维

入围文章：尘世间的生命意义

陈玺安

入围文章：星上行走：夏季大三角 

王鹏杰

入围文章：艺术，作为审美化的政治和个体化的启蒙——刘伟伟个展《废途径》  

张炜

入围文章：快感的逻辑及其意识形态背反

顾虔凡

入围文章：施昀佑：海豹脱下外衣的日子 

陈嘉莹

入围文章：弄巧成拙的二元叙事

姚梦溪

入围文章：展示与逃离——从何迟的《隔馆》说起

刘菂

入围文章：何为“本土”？评巴黎路易威登艺术基金会的中国当代艺术群展

展示与逃离

文 / 姚梦溪 

刚过去的春天，何迟从箭厂空间后院里一颗老榆树冒芽开始，按照每天观察到的树叶变化刷绿房间。我以为这个项目的提法并不新鲜，依靠想象就能完成，去现场前我数了一遍适合画树叶的绿，按照印象里的变化排了顺序，预料现场不会有太大区别。四月某个下午，我和何迟坐在箭厂空间门口，天空湛蓝，老榆树冒了嫩芽。胡同里的狗时不时溜出来找乐子，主人跟着来来回回一次次往家里赶，四点前后隔壁饼店的师傅们加速揉面烘烤，天阴下来飘起小雨，光线略微暗了些，树叶跟着沉下来，何迟偶尔按几下快门，大多数时间在对面坐着，观察来往行人和风景。去年春天，我在福建山区见到一些老人，他们单个儿坐在自家门口，不交谈，山里的狗成群结队有时上山有时下山，从不理人。一下午很快就过去了，第二天下午老人们继续坐着，从天亮到天黑。

▲ 何迟 “隔馆”，2016，展览现场，箭厂空间

很容易被忽略的是何迟用自己的身体当做测试工具感受时间、阳光，风和雨，他将在西北高原生活的经验带入城市，观察天气、环境对植物影响，凭直觉寻找适当的时机，就像山里老人们等待播种和收割。虽然生长是一个恒常的状态，可以靠认识预判，但每天的光照和风力都不同，呈现的明度和亮度有细微差别，根据具体地域的天气变化让事物变得不可预知。身体进入空间后，绿色的墙面十分扎眼，待久了看什么都是一阵红一阵绿。从里面望出去，街道上人来人往，没有路人停下或往里面张望，绿的边缘形成了无形的隔断，我把满屋子的绿色理解成树叶的内部或者是屋外风景的细部。何迟摒弃物化对象，在老榆树和白盒子之间通过人的身体建立秩序。同时也减少对观看的意识压迫，提供契机让观者自主思考其连接的对象。箭厂空间的绿墙并不是项目的全部，它转化艺术家的身体感受，成为可见的输出。绿墙只是技术手段，而不是作品完整的形态。

何迟没有过多阐释展览题目“隔馆”，其中的“隔”来自王国维的《人间词话》，其中以“隔”与“不隔”对文学作品提出审美评判，王国维推崇“不隔”，而排斥“隔”。“隔”如同雾里看花，隔着一层，相反，“不隔”好像事物都在眼前，鲜明易见。在今天拿这个作标准有些不好分辨，艺术家的创作始终在两者中间徘徊，更接近客观世界或观众，还是更接近艺术主体或艺术家。拿“隔馆”来说，它预埋了艺术家的个人经验，对观看来说这是一层阻隔，这层阻隔背后是城市相较原本乡土生活逻辑的割裂，二者呼应似乎能提示观者加深对断裂内容的想象。隔离，隔绝，隔断从字面上有空间关系，何迟描绘的“隔馆”多少也切断空间的使用方式，更是时间的断裂。但这一切在他个人的时空里是毫无屏障的环环相扣。亨利·柏格森（Henri Bergson）是直觉主义者，他认为直觉可以深入到事物内部，而分析只限于表面现象，因而见不到事物的本质，世界的本质在于“绵延”，只有通过直觉才可以把握，而分析则从时空入手，隔绝了“绵延”，所以只能停留在表面上①，本文对于作品的分析也是这样，武断而片面。

▲ 何迟 “隔馆”，2016，展览现场，箭厂空间

三位姑娘停下，阅读玻璃窗上张贴的作品简介，何迟迎上去聊了两句。除了习以为常的街坊，她们是那天唯一注意绿屋子的行人。除了消费性视角，当代艺术空间绝大多数时候平行于社会生活，即使它在居民区里，路边，工厂里，商场里。艺术深怀进入社会生活的野心，总是被平行的空间阻隔，社会生活不断给创作提供材料，艺术家最终编织和展示的，往往是安置于当代艺术空间的社会隐喻。展示机制诞生自博物馆收集逻辑，它将一般物品文献化、历史化、神圣化。因此进入艺术的平行空间——展厅，很难强调非物化，即使是再无形的形式——对话，也有办法变相转化。德波（Guy-Ernest Debord）给的药方是激发更多进入现实的行动，一步步地修复社会联系，代替制造被动旁观者消费的物品。荷兰艺术家杰妮·范·黑思维克(Jeanne van Heeswijk)写道：“艺术家对展示者和观看者的被动过程不再感兴趣的原因之一是，如此的交流实际上已经彻底被商业世界窃取⋯⋯说到底，如今你在随便什么地方都能获得审美体验。”艺术家／行动主义者Gregory Sholette和艺术史学家布莱克•斯廷森（Blake Stimson）提出“在一个完全臣服于商品形式和景观的世界里，仅存的行动剧场是直接介入生产力。”②对这一逻辑的推崇者，纷纷逃离传统的展示机制，在社会空间里引起短暂发生或阶段性的真实事件，亦或让项目兼具实际效用，区别纯展示逻辑下诞生的作品，以此让艺术回归社会生活，重要的是它剔除了展示的枷锁——作品化及商品化。

2015年声势浩大的展览“不在图像中行动”的核心态度是拒绝图像的消费，展览在北京三家重要的画廊中举办，展览之后被诟病最多的，恰恰是它既想要占领道德高地——不以图像消费作为重心，将艺术家在日常生活中引发的事件，重新编排后置入展厅——回到展示机制中，从根本说这是矛盾且反动的。这些事件不依靠展厅生成，但极度需要展厅作为生效场所，为作品加持。另外，这类创作至今没有评判的标准，仅仅因为发生即合理。因为，它一旦将生效当做判别要求，以行动创作而非图像的道德合法性将再次遭到质疑；靠近具体问题远离艺术家主体，可以借传播造势，但这一来又完全背离了艺术家工作。

▲ 何迟 “隔馆”，2016，展览现场，箭厂空间

最近看的两场戏剧，分别带着不同的阻隔方式，改编自法国剧作家让·热内《上阳台》以环境戏剧作为卖点，撤除了座位，观众被允许在空间中走动，非职业演员对身体的控制微弱，却想要抓住舞台表演感，他们上方有一束无形的追光将表演束之高阁，即使没有座位也使得剧目与观众隔绝。由年轻的戏剧工作者庾凯、陈陈呈、吴加闵创作的《幸存的夏日》企图将观者带入各自儿时的夏天，剧场使用了气味、灯光和声音营造情境，或多或少有一些实际作用。然而，铺设在整个框架下的内心独白过于自我，加以纯熟的肢体使用，产生距离感，让人觉得这是创作者的情感诉求。

项目紧靠艺术家主体阻隔了通往客观事物（观众）的感知，而栖身客观问题容易让艺术家的工作失去必要性，成为事件的报道者，每一个行动都面临这样的两难。除了上述的紧张关系，触发行动的艰难之处还在于避免二次误读，即不能使用旧有的认知方式，而多样的视角和组织方式，在起初必定是不容易分辨的，也许连接未来但与当下相“隔”，唯一的可能是依靠艺术家的无尽想象力。在语言无法渗透时，给予便捷路径，目的就是为了做到传达上“不隔”。

▲ 何迟 “隔馆”，2016，展览现场，箭厂空间

最近非常火的电影《路边野餐》，因为最后的40分钟长镜收到无数吐槽，集中控诉在于如此设置过于生硬，有很重的老师傅痕迹。回到这部电影本身，长镜头的使用真的达到与观众间时间的平行。连同男主人公的蹩脚诗歌，无意义的叉车的镜头，勾勒了完整的凯里面貌，一个三四线小镇的日常状态。直播也平行于当下，能驱散了空间的障碍。不同于网红直播的全面消费化，全世界监控设备每时每刻记录的无尽日常，从不被过度注视才回到了真实。

晚上的胡同灯光微弱，老榆树没有光照，树叶的颜色完全看不清了，何迟拉起黑帘子，在屋里涂刷今天的绿，和我之前猜测不同，他只是往之前涂刷的绿上加深了几层。

-①李铎《论王国维的“隔”与“不隔”》

-②克莱尔·毕晓普《人造地狱》第一章社会转向：协作及其不满

何迟：“隔馆” 

箭厂空间（北京箭厂胡同38，国子监街内），2016年3月15日到5月3日

▲ 雄黄社，《微笑》，行为装置照片，尺寸不定，2010

《微笑》是雄黄社（2007年何迟与吴海、郭海强成立了雄黄社）参加2010年大声展的项目，以展览的方式进行。把位于北京市朝阳区五环外黑桥村的雄黄社工作室里没被物体家具占据的混凝土地面切割下来，分割成不规则的小块，搬运到位于北京市朝阳区三里屯SOHO的大声展展厅，按照原来形状拼起来铺在该展厅的毛坯地上作为展品。展览结束后搬运回工作室按原来位置铺回。展览同时把雄黄社工作室作为另一件展品对观众开放。

何迟，《绝对》，行为图片艺术微喷，尺寸待定，2009年：在一个空房间内部挖掘该房子的墙脚使房子下沉，把挖出来的东西堆在房间地面的中部，直到房子被中间堆砌的东西顶住不再下沉，墙脚悬空，不能再挖为止

▲ 何迟，《珍珠 42.2》，河石，(H)45×92×73cm，2014

▲ 何迟，《一彩虹09》，物上绘画，200×120cm，2009年

 

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